Bon ben alors... des photos de Jim

A la demande générale d'au moins deux personnes, voici un espace où je placerai dorénavant quelques une de mes photographies.

Vous pourrez constater que l'approche est totalement différente de celle de Jipi, c'est aussi cela qui fera la richesse de notre exposition !

La Tentation d'Ali (2006)

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C'est lors d'une balade sur les Champs-Elysées que le visage imposant de Salvador Dali m'agressa par le biais d'une affiche annonciatrice d'une rétrospective prochaine. Avec son monocle et son air sévère, le visage du Maître catalan m'inspira tout de suite. Je savais que je pourrais en tirer quelque chose. Alors j'ai shooté... trois, quatre, six photos de l'affiche, en pied, en partie, en gros plan. C'est à ma compagne que je dois l'idée d'utiliser le monocle de Dali pour y intégrer un élément significatif de son oeuvre... Sa toile préférée est La Tentation de Saint-Antoine, ce serait donc un élément de cette oeuvre qui entrerait dans le monocle après que j'aie joué sur les contraste du visage. Et comme c'est Ali - c'est le surnom de ma douce - qui m'a soufflé cette idée, il était logique d'intituler cette photo La Tentation d'Ali afin de jouer sur les mots comme j'ai joué sur la photo !

Envol de nuit (2010)

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C'est beau Liège, la nuit ! C'est calme, les lumières artificielles qui éclairent les appartements, les rues ou les ponts donnent une autre dimension à la ville. Du haut de ses 39 étages, la Tour Kennedy domine Liège, majestueuse citadelle inexpugnable. En face, sur l'autre rive de la Meuse, sur le quai Van Beneden, une autre réalisation humaine, plus modeste en taille mais tout aussi remarquable, la sculpture de René Julien, L'Envol...

Sacré...Coeur (2008)

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Le ciel procure quantité de spectacles différents, des spectacles qui, au gré du vent, du soleil et des nuages, varient de minutes en minutes. Cet été 2008 j'étais à Paris et je me baladais sur la Butte Montmartre. Alors que je passais devant la Basilique du Sacré Coeur, le ciel me fit ce joli clin d'oeil... Il laissa apparaître, à travers les nuages, ce coeur bleu d'azur juste au dessus du Sacré Coeur !

C'est aussi ça que j'aime dans la photographie c'est qu'elle permet de fixer des moment éphémères que l'on aura probablement pas l'occasion de revoir. Quelques instants après ce cliché, le vent poussa les nuages et le coeur avait disparu... Le destin a voulu que je fus là pour le voir et le fixer.

Merci Jim pour ce partage de quelques-unes de tes photos.

Je m'attendais à la première ! Intéressante sur le plan conceptuel, mais... attendue ! Dans la mesure où tu la mets toujours en évidence un peu partout depuis trois ou quatre ans (articles, expos...). Ma remarque ne vaut que pour ceux qui te connaissent un peu bien évidemment !

Content de voir les autres donc !

Un aspect un peu fantastique dans ta deuxième photo. Les photos de nuit peuvent être en effet très intéressantes. Belle atmosphère et beau placement de la statue en point de force. Le cadrage particulier (choix volontaire ?) crée peut-être une certaine confusion.

Bien vu le coeur de Montmartre... il fallait être là au bon moment. Le bas de l'image est malheureusement masqué d'une manière involontaire (moyen d'en faire un beau format carré peut-être ?).

Ces trois photos me plaisent beaucoup, chacune à leur façon.

La première est un beau clin d'oeil à ce génie fou qu'était Dali.

La deuxième est particulièrement bien construite, je trouve, et elle met brillamment en scène cette sculpture sur fond de Liège by night.

La troisième pourrait s'intituler "Le ciel nous parle" ...

Adriatique (2006)

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Une image capturée à la fin d'une belle journée sur la côte adriatique de l'Italie, à l'été 2006. Les nuages s'installent sur cette région coincée entre mer et montagne. Le soleil parvient encore à filtrer... Mais bientôt il fera sombre et puis la nuit s'installera.

Les amoureux du Colisée (2007)

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Ils sont seuls au monde, malgré la présence de centaines de personnes tout autour d'eux en ce haut-lieu de la culture romaine. Ils s'aiment, ils en ont l'air en tous cas. Pour eux, le Colisée qui se dressent derrière n'a finalement que peu d'importance. Non, l'important c'est le moment présent pas les vingt siècles d'histoires autour de ces vieilles pierres...

C'est marrant, on dirait que la fille est enterrée... ou qu'elle n'a pas de corps.

Ces deux dernières photos sont-elles imprimées en bichromie, ou est-ce une autre effet?

(Pardonnez cette question du non spécialiste que je suis.)

Oui John, ce sont des bichromes sépia... Une variante du noir et blanc tirant sur le brun.

Figure Libre (2010)

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Réalisé par le sculpteur belgo-roumain Idel Ianchelevici pour l'exposition internationale de l'eau, en 1939, Le Plongeur a longtemps disparu. Il avait été placé en bord du Canal Albert mais, pour des raisons ignorées, on l'a remisé puis il est tombé dans l'oubli. Ce n'est qu'à la fin des année 90, lors de recherches dans d'anciens bâtiments que des employés de l'Université de Liège l'ont retrouvé. Depuis juin 2000, Le Plongeur a repris sa pose au dessus du port des yachts. Il se découpe sur le ciel liégeois et, parfois, lorsque ce ciel se pare de couleurs, en soirée, le Plongeur de Ianchelevici s'habille de couleurs diverses... Lors d'une de mes nombreuses balades dans les rues de Liège, c'est ce ciel mauve qui donna cette éphémère splendeur au Plongeur.

Selon ma propre sensibilté, la photo des amoureux sous le Colysée me semble "conceptuellement" la plus intéressante. J'apprécie ce choc entre le passé et le présent, la mémoire de la tragédie passée confrontée à l'euphorie du présent, autrement dit, "un appel de la vie à elle-même" (K.Gibran) par-delà les aléas ineptes de l'aventure humaine. Je verrais bien un agrandissement en deux mètres de haut pour souligner l'impact de l'image.
Simple question, les effets infographiques me semblent parfois un peu forcés, sont-ils nécessaires? Je crains qu'ils ne prennent le pas sur la pureté de l'expression.
Pourquoi la sépia qui évoque la patine d'un temps dépassé plutôt que le noir et blanc qui maintiennent un ancrage dans l'actualité?

J'aimerais beaucoup visiter votre expo à Liège, mais je crains que des contingences immédiates me l'interdisent.
J'espère que les retombées sont positives pour vous deux. Plus précisément pour vous quatre.

Assez d'accord, Michel, avec votre analyse en fait... on en reparlera de ces aspects « graphiques » en photographie (j'ai écrit quelques articles sur le sujet ) !

Figure libre... un superbe noir et blanc est possible, d'autant plus que le support est blanc et le personnage s'oriente vers le noir.

Le Colisée m'interpelle positivement : une bonne composition.

Merci Michel pour les encouragements.

Je n'aime pas trop le terme "infographie" qui, s'il est correct, renvoie d'avantage dans la mémoire collective aux illustrations de presse comme les tableaux, les graphiques ou les images créées de toutes pièces pour illustrer un article précis

ceci par exemple :

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Pour répondre à votre question, non les effet infographiques ne sont pas nécessaire, ce n'est même pas une marque de fabrique puisque la majorité de mes photos sont "naturelles" sans être retouchées. Mais aujourd'hui, de plus en plus la photographie est à portée de tout le monde et n'importe qui. Aujourd'hui, tout le monde peut immortaliser deux amoureux devant l'hôtel de ville de Paris (pardon Monsieur Doisneau) ou tirerun caillou, une fleur ou une scène de la vie quotidienne. Avec l'avènement du numérique, il n'y a même plus besoin de développer ses photos. Certes, ce sera fait avec plus ou moins de sensibilité ou de talent mais, plus que jamais, la photographie est à portée de tous. Plus facilement en tous cas que l'aquarelle, le fusain, la sculpture ou l'huile...

S'il y a un domaine où je ne réprouve pas l'évolution c'est dans la photographie. Il faut pouvoir apporter une touche de créativité en plus que la photo "naturelle" même si celle-ci peut être très jolie, et cela peut se faire par le biais de la retouche numérique.

Et puis, finalement, dans les années 70, lorsque mon père développait ses photos dans son labo à la maison, il jouait déja dans ses bains révélateur et d'arrêt sur les contrastes, sur la luminosité et même sur les formes... C'était déja de la retouche, la retouche numérique n'est finalement qu'une évolution de la photographie en général.

Ceci dit je comprends évidemment que certains puristes privilégient la photo sans retouche, brute serais-je tenté de dire. C'est pour cela que j'en fait aussi afin de toucher un public le plus large possible.

En fait, Jim, le terme infographie devrait être remplacé par le mot graphique tout simplement. Je pense que Michel voulait faire allusion à ce dernier point.

Il y a d'une part l'art photographique et d'autre part l'art graphique ou numérique. Il faut distinguer les deux catégories.

L'art photographique opère des retouches de labo classique que l'on utilise en argentique (contraste, niveaux, densité, accentuation, etc.).

La photo graphique ou numérique ne doit pas être confondu avec l'art photographique.

L'art photographique c'est 90/95 % de travail à la prise de vue et environ 10 % en postproduction.

La photographie graphique c'est 90/95 % en postproduction (c'est en grande partie un travail « photoshopien » sur ordinateur !) : on est donc loin de l'art photographique. Un autre art en somme : respectable, mais à ne pas confondre avec le premier.

J'ai eu l'occasion de rencontrer Jean-Christophe Béchet (un des directeurs de Réponses Photo) qui m'a autorisé à reproduire son article excellent sur le sujet : je vous le fournirai ultérieurement.

En voici déjà un petit extrait très intéressant :

Il n'aime pas l'image « Chantilly et ketchup » !!! Moi non plus !!!

« L’outil numérique avec ses infinies possibilités impose aussi une autre attitude que celle du labo argentique. Avant, toute « manipulation » demandait un vrai savoir-faire et une technique affirmée. Les images avec des retouches réussies ou les sandwichs de deux images restaient des exemples minoritaires avec souvent un cachet artisanal qui les rendait sympathiques. Aujourd’hui, la plupart de ces manipulations sont à la portée de tous et ce sont au contraire les interventions invisibles qui demandent une vraie compétence. Je compare souvent la photo à la cuisine : quand on met un peu de chantilly de temps en temps sur de bonnes fraises sauvages, c’est délicieux. Si on en mange à tous les repas cela devient un peu lourd. Et si en plus cette crème est utilisée avec abondance pour masquer le goût frelaté de fruits sans saveur cela devient vraiment indigeste ! C’est un peu ce que je ressens devant certaines photos où j’ai même l’impression que l’auteur a encore rajouté du ketchup sur la chantilly pour affirmer son style. Du coup, tout cela devient un peu écoeurant à mon sens. »


Pour terminer, je ne crois pas du tout, comme tu le dis, que la photographie est à la portée de tous (elle s'apprend tous les jours, car elle est merveilleusement complexe) mais je crois que tout le monde se croit photographe !!! Comme tout le monde aujourd'hui se croit écrivain, chanteur, peintre !!!

La photographie reste un art et photographier même les scènes les plus banales n'est pas à la portée de tous : l'art photographique est un travail de patience lié à la connaissance, à la sensibilité, à une vision personnelle...

L'art photographique s'apprend même. Il y a des règles (que des personnes se disant photographes ne connaissent même pas !) . Et ces règles peuvent être transgressées à la condition que cette transgression soit porteuse de sens et à la condition de savoir pourquoi on les transgresse.

Autre chose : la touche de créativité dont tu parles ne passe justement pas par la retouche numérique !!! Loin de là d'ailleurs. Mais elle peut passer occasionnellement par là...

Je crois davantage à la folie dans le réel... une hypothèse intéressante finalement.



La grandeur d'une photo est liée à la vision personnelle du photographe, à son art de la composition, à sa découverte de ce l'on ne voit pas habituellement...

Pour te donner un exemple, il y a plus de grandeur dans la photographie, sous un certain angle, d'une pierre blanche abandonnée au milieu d'une route macadamisée noire que dans la photographie d'une queue bleue de raton-laveur dans une soupe aux pois de couleur rouge !

Tout cela n'empêche pas que certains aspects numériques (que j'utilise occasionnellement) peuvent être intéressants dans certains cas. Il y a quand même des oeuvres exceptionnelles dans cette voie.

De toutes façons l'on n'est jamais arrivé en photographie, car on progresse tous les jours dans ce domaine.

J’ai utilisé le terme « infographie » dans son sens élargi et communément admis. Je pensais évidemment à des outils de retouche d’image tel Photoshop. Or Photoshop est considéré comme un outil infographique, l’apprentissage de ce logiciel fait partie des cours donnés dans les sections artistiques de formation à l’infographie.

Je ne rejette certainement pas les utilisations pertinentes et totalement justifiées que l’on peut faire de Photoshop, mais, comme Jim le souligne fort justement, si à peu près n’importe qui peut prendre des photos ou manipuler des images, tout le monde ne le fait pas magistralement. Derrière l’outil, il y a toujours celui qui l’utilise. Avec un marteau, on peut sculpter, enfoncer un clou, se taper sur les doigts ou tuer quelqu’un… Ainsi que le faisait déjà remarquer Bruno Lussato, un informaticien, vers la fin des années 1980, « si dans un ordinateur on met du jus de chaussette, il n’en ressortira jamais que du jus de chaussette ». Dans cette logique, il préconisait d’apporter d’abord une dimension culturelle aux étudiants et de relativiser beaucoup l’engouement de l’époque pour les machines.

Je pense qu’entre les mains d’un créateur inspiré, un outil aboutira la plupart du temps à une expression qui tend vers l’universel, tandis qu’un quidam conventionnel n’en tirera jamais qu’un cliché à intérêt limité, si ce n’est dénué d’intérêt.

L’apport de l’infographie à la photo me semble donc tout à fait respectable, ce serait une attitude passéiste de la rejeter tout en s’efforçant de faire l’équivalent si ce n’est moins bien par un travail de laboratoire. Beaucoup de photographes ne se privent pas de l’utiliser, mais il me semble qu’il y a ici un peu de ce qui se passe au cinéma avec les effets spéciaux. Si on les oublie, le but est atteint, si on s’y arrête, fût-ce pour les admirer, c’est qu’ils n’étaient pas au service de l’expression, mais qu’ils sacrifiaient à la démonstration.
On rencontre beaucoup ce travers dans des sites Internet conçus par des webmasters virtuoses de la dernière technique infographique, mais dont le produit ressemble davantage à de la démonstration complaisante qu’à la valorisation du contenu. Personnellement, en général, je ne m’attarde pas.

J’apprends donc avec satisfaction que les photos de Jim sont pour la plupart « naturelles ». J’avais cru percevoir dans « figure libre » un renforcement un peu artificiel du rouge et du violet . Par ailleurs, je comprends mal le virage en couleur sépia dans « Adriatique » et « les amoureux du Colisée ». Pour la « tentation d’Ali », le ton est évidemment différent, on se rapproche ici de l’affiche ou de la publicité, des domaines qui jouent volontiers et de manière entendue sur des effets voisins du collage. La discrète parenté justifie ce genre de procédé.

J’insiste encore sur les expressions que j’ai utilisées dans mon message précédent, à savoir, « selon ma propre sensibilité… », « il me semble… ». Ce qui traduit ma conscience de la subjectivité de mon regard. Depuis des décennies, je nage dans un bain esthétique, mais je sais que dans ce domaine, si haut que quiconque puisse monter, il entraîne toujours avec soi une dose d’opinions toutes personnelles qu’il ne doit jamais confondre avec la Vérité.
Exposer, c’est aussi confronter sa subjectivité à celle des visiteurs. Mais les expositions ne sont-elles pas faites aussi pour cela?

Clair-Obscur (2010)

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Voici une photo "naturelle", sans aucune retouche, et qui répond à une composition précise : la règle des tiers, profondeur de champs, ligne de fuite vers les coins... C'est un classique que la photographie, peut-on trouver plus classique qu'un coucher de soleil, fut-il sur la Mer du Nord ?

Mais il en va, pour moi, de la photographie comme des lois, il y a la lettre et l'esprit des règles... Il faut pouvoir bousculer la lettre, ne pas se contenter de faire des photos selon les règles édictées, parfois éculées. Cette photo, ci-dessus, ne témoigne pour moi d'aucune créativité exceptionnelle parce que, justement, elle s'enferme, à la lettre, dans les règles traditionnelles...

Ceci dit, elle sera à l'expo au Hangar mais ne fera pas, j'en suis sûr, parfois les plus appréciées du public...

Les « lois » dans le domaine de l’art ne sont selon moi que des repères, des pistes à emprunter, à moduler ou à laisser sur le côté selon les nécessités de l’expression. Elles on été imaginées ou déduites par l’homme. L’Histoire de l’art et de la pensée est ponctuée d'interrogations à propos du Beau, un absolu qui, jusqu’à il y a peu, accompagnait une démarche artistique. Certaines déductions étaient tributaires d’une époque ou d’une culture particulière, d’autres semblent avoir touché à un caractère universel, comme si les notions d’harmonie, d’équilibre, d’unité, de diversité… étaient inhérentes à la nature humaine, par-delà les cultures, les lieux et les époques. L’inconscient collectif…

Par exemple, cette notion de la proportion 1/3 et 2/3 est en quelque sorte une simplification de la « divine proportion » ou nombre d’or (1/0,618) bien connu des Grecs depuis Phidias, et sans doute déjà par les Egyptiens. Depuis, et jusqu’à nos jours, elle a beaucoup été utilisée par les architectes, mais aussi par les peintres et les sculpteurs et même par certains musiciens tels Xénakis. Quant à la nature, elle ne s'en prive pas.

Construire une œuvre sur une relation mathématique ne garantit pas pour autant la réussite ni l’originalité, tout au plus évitera-t-on une certaine monotonie ou banalité dans la composition.
Je suis pour ma part convaincu que la loi fondamentale en art est celle de la « nécessité intérieure ». Elle est donc très générale et laisse une grande liberté dans le choix des moyens d’expression. C’est elle qui décide de tout le vocabulaire formel qui s’ensuivra et obéira à ce qui est à exprimer. La position centrale par exemple, est totalement justifiée s’il s’agit d’imposer la présence du sujet.

Une anecdote, il y a plusieurs années, un photographe amateur, gavé de théories esthétiques apprises dans les livres, avait eu cette critique devant un portrait de trois quarts que j’avais peint : « Quelle erreur! Un visage doit regarder de la gauche vers la droite ! ». Je lui ai aimablement fait remarquer qu’avec de tels principes, on pouvait exclure environ la moitié des œuvres peintes depuis l’aube de l’Histoire de l’art.

Pour résumer, je considère que les lois de la création artistique sont celles que je déduis à partir de ce que je veux exprimer. C’est à moi de prendre conscience de mes intentions et ensuite, de rester cohérent relativement à elles. Exigeante responsabilité.

Citation :

Construire une œuvre sur une relation mathématique ne garantit pas pour autant la réussite ni l’originalité, tout au plus évitera-t-on une certaine monotonie ou banalité dans la composition.
Je suis pour ma part convaincu que la loi fondamentale en art est celle de la « nécessité intérieure ». Elle est donc très générale et laisse une grande liberté dans le choix des moyens d’expression. C’est elle qui décide de tout le vocabulaire formel qui s’ensuivra et obéira à ce qui est à exprimer. La position centrale par exemple, est totalement justifiée s’il s’agit d’imposer la présence du sujet.

Très juste !

Citation :

Une anecdote, il y a plusieurs années, un photographe amateur, gavé de théories esthétiques apprises dans les livres, avait eu cette critique devant un portrait de trois quarts que j’avais peint : « Quelle erreur! Un visage doit regarder de la gauche vers la droite ! ». Je lui ai aimablement fait remarquer qu’avec de tels principes, on pouvait exclure environ la moitié des œuvres peintes depuis l’aube de l’Histoire de l’art.

Très juste aussi...

J'aivu cette après-midi une très bonne émission sur La Cinq, intitulée "Londres, miroir du monde". Lors de cette émission, dans la partie consacrée aux arts et à la culture à Londres, des galéristes, un historien de l'art et un photographe expliquaient de concert que depuis quelques années (seulement) la photographie tend à devenir un art majeur (tenant compte évidemment que ce concept n'a plus rien à voir avec la vision Reniassance de la dualité art majeur/mineur). Si elle parvient à s'extirper de la "minorité" c'est parce que les photographes modernes parviennent à s'affranchir des dogmes originels de la photographie.

L'introduction d'effets graphiques fait partie de cet affranchissement.

C'est finalement,il est bon de s'en rappeler, ce que faisait Man Ray, avec les moyens de son époque,dans les années 20

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Violon d'Ingres, Man Ray, 1924

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Réflexions, Man Ray, 1929

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Les Amoureux, Man Ray, 1934

En résumé, je dirais, en me répétant peut-être (voir ma réflexion plus haut !), que l'art photographique n'est pas l'art du n'importe quoi ! Il s'apprend longuement et avec patience. Il y a des règles à connaître (bien plus complexes que la règle des tiers !!!) et des règles à transgresser à la condition que cette transgression soit porteuse de sens. À mettre en rapport avec la nécessité intérieure dont parle Michel.

De toutes façons qu'une photo s'affranchisse des règles ou non elle ne détient pas pour autant le label « qualité » ! Le débat est bien plus complexe que notre réflexion sur la valeur du respect ou du non-respect des règles !!!
Et ce débat n'est surtout pas lié au goût de nombreux spectateurs qui, on le sait bien, aiment que l'artiste baisse son froc ou joue du tape-à-l'oeil ! Quand on se trouve en présence d'un artiste qui a un talent certain, l'autre public (celui qui a une certaine forme de culture) reconnaît le petit ou le grand souffle...

Le gros problème en art aujourd'hui est — outre l'absence de talent de nombreux opportunistes/imposteurs puisque tout le monde se croit artiste aujourd'hui ! — une méconnaissance des codes qui le traversent, une valorisation exclusive des aspects formels (c'est la fameuse coquille vide) et une transgression permanente sans aucune justification et ce au détriment du contenu.

Que j'aime la transgression lorsque celle-ci se fonde sur une (cohérente) intention qu'elle soit dévoilée ou non au spectateur !

Man Ray, bien connu, pouvait être immense.

Ah oui, Man Ray était immense !

C'est de la diversité que nait la richesse... C'est pourquoi je suis persuadé que notre expo sera une belle réussite !

Jim a écrit:

C'est de la diversité que nait la richesse... C'est pourquoi je suis persuadé que notre expo sera une belle réussite !

J'en suis également persuadé ! On va en tous les cas « tout faire pour » comme on dit chez nous !!!

Big Ben (2010)

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Big Ben sous les nuages cotonneux d'un beau jour de printemps à Londres

La balade au Champs de Mars (2010)

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Il s'agit de l'instantanné capturé sur le vif, un moment ordinaire de la vie parisienne à l'abri des hordes touristiques qui pourtant ne sont pas loin.

Pour Big Ben c'est une lecture possible mais j'ai aussi des échos qui vont dans un autre sens. Par contre, pour La Ballade au Champs de Mars, on m'a dit qu'elle manquait de vie, de dynamisme... Tout est question d'interprétation et d'état d'esprit de celui qui voit la photo.

Pas une lecture possible... Jim !

Big Ben est une photo qui présente plusieurs défauts : le côté forcé des couleurs qui ne correspondent pas trop à une intention crédible à mon sens, la partie trop noire du bas, le cadrage améliorable avec les personnages trop près du cadre à gauche...

Ta photo en noir et blanc a du charme avec ce petit personnage en point de force en bas à gauche, mais celui-ci mériterait d'être davantage mis en valeur (règlage des tons foncés et des tons clairs dans ton logiciel). Les ombres sont un peu bouchées.

Évite aussi les signatures sur tes photos, mais de cela on a déjà parlé.